El Festival que se celebrará del 16 al 24 de marzo servirá para mostrar una selección de títulos de corte histórico, coordinada por el profesor y crítico Francisco Ponce, que se “ajusta a las señas de identidad del certamen”, ya que son películas que responden a la idea de “innovación, rigor y autoexigencia selectiva”.

El ciclo de cine mudo estará compuesto por unos veinte títulos con los que los amantes de este cine podrán contemplar una de las antologías “más representativas ofrecidas en España sobre estos trabajos, que han contribuido a ampliar los límites” formales del lenguaje cinematográfico y que muestran el reflejo de la “experimentación y la vanguardia”, según informó el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria en nota de prensa.

Se pretende así ofrecer una “nueva mirada sobre este cine, obvia clásicos recurrentes y da prioridad” a piezas cinematográficas recuperadas o revisitadas durante los últimos años y con una influencia en la evolución de la estética cinematográfica que “ha sido evidente a lo largo de la historia del cine”.

Las películas que se exhibirán durante los diez días de festival son restauraciones sobre negativos originales, lo que supone una oportunidad para admirar obras como las de los maestros franceses Abel Gance (La rueda, 1923) o Marcel L,Herbier (El dinero, 1928), así como producciones alemanas como ‘El amor’ de Jeanne Ney (1927), uno de los trabajos menos conocidos de G. W. Pabst, o ‘El infierno de los pobres’ y ‘Viaje a la felicidad de mamá Krause’ (1929) de Phil Jutzi, así como ‘Raíles’ (1927) de Mario Camerini, entre otras.

http://www.europapress.es

Nadie tendría que discutir el derecho del equipo de gobierno local a nombrar a quien considere oportuno para pilotar proyectos que dependan del dinero municipal. En lo que sí parece existir unanimidad es en que han fallado las formas para comunicar a Cienfuegos su marcha de la dirección del Festival. Las formas son importantes en la vida pública, y en la privada por supuesto, y más en el caso de un ejecutivo cultural que, en efecto, como ha recordado en la nota que ha hecho pública exponiendo su postura sobre el cese, ha realizado una estimable labor al frente del FCIX. El dato del crecimiento del número de espectadores que han acudido a la última edición, setenta y cinco mil, frente al de la edición de mediados de los noventa, diez mil, es un buen resumen del arraigo popular que ha ido adquiriendo el festival gijonés. Sorprende, sin embargo, que el porcentaje de recaudación en taquilla haya crecido muy modestamente frente a las cifras totales de asistentes a las proyecciones.

La discusión del derecho a proceder a un relevo en la dirección del certamen ha surgido de los grupos de oposición en el Ayuntamiento de Gijón. La imagen de una amplia representación de los dos partidos, el PSOE e IU, en la concentración del jueves muestra que se han subido al caballo del prestigio bien ganado por Cienfuegos para debilitar al gobierno de Carmen Moriyón y, en concreto, al concejal de Cultura, Carlos Rubiera, a quien le está tocado bailar con parejas tan difíciles como el Festival de Cine y la creación del Festival Atlántico, llamado a sustituir a la «Semana negra», cuyo futuro se ve cada día más negro, sin que sea un juego de palabras, aunque el rosario de ofertas de otras ciudades que los organizadores decían tener en sus manos parecen haberse evaporado.

Festivales cercanos, aunque no parecidos, como San Sebastián o Valladolid, han cambiado de directores sin que se hayan producido polémicas como la gijonesa y no digamos concentraciones populares. En casos como éste, la izquierda gijonesa parece que quiere dejar claro que la ciudad es su patrimonio y que su resistencia a los cambios es obligatoria. Pero la realidad es tozuda y si Cienfuegos sustituyó a otro director, en este caso el admirable Juan José Plans, otro relevará en su día a Nacho Carballo. Pero las formas son, por supuesto, de ida y vuelta. Nacho Carballo, que ha dado una lección de valentía y claridad afrontando el primer día de mandato entrevistas y preguntas hasta incómodas, tendría que haber sido cuidadoso en reconocer la labor de su antecesor. La frase de que evitará que «la gente no venga diez días a comer y a vivir gratis a Gijón», dirigida sin duda a críticos madrileños asistentes al festival que salieron en tromba en apoyo de Cienfuegos, puede que sea una exageración y hasta una velada acusación de mala gestión y hasta de prevaricación. Las buenas formas han de ser transversales, pero en este caso, como en tantos, parecen imposibles por la mala relación de los dos protagonistas del cambio.

El problema del relevo supera el mundo cultural o político de Gijón. Sus raíces van más, a la mala costumbre de este país en cambiar a gestores de calidad o altos funcionarios de relieve en cuanto hay un cambio político. El servidor del Estado es una figura habitual en los países más desarrollados que en España apenas conocemos. Cambian los gobiernos y cambian los policías, los jueces, los embajadores y hasta los chóferes de los coches oficiales. Cambian también los directores de festivales de cine aunque su labor merezca elogios mayoritarios. Es un mal universal en el mundo público español y, por tanto, gijonés. José Luis Cienfuegos es un cesante más, como si viviéremos en la época de Cánovas y Sagasta, como si todo fuera el argumento de una zarzuela.

http://www.lne.es

Además, el almeriense Manuel Martín Cuenca, co-autor, junto al cubano Alejandro Hernández, del guión original de ‘La mitad de Óscar’, ha sido distinguido con el Premio al Mejor Guión, mientras que el actor Antonio de la Torre se ha alzado con el reconocimiento ‘Antoñita Colomé’ a la Mejor Interpretación masculina por su trabajo en el largometraje ‘Balada triste de trompeta’, de Álex de la Iglesia.

Del mismo modo, según ha informado Asecan en un comunicado, el premio ‘Teo Escamilla’ a la contribución técnico-artista ha ido a parar a Tote Trenas como responsable de la fotografía de ‘Ispansi (Españoles)’, mientras que Julio de la Rosa, compositor de la música de ‘Primos’, se ha alzado con el premio a la Música original.

Por otro lado, Asecan también ha distinguido a la Semana Internacional del Cortometraje de San Roque (Cádiz), por su labor de difusión del cine en Andalucía; al espacio de Canal Sur TV ‘Al Sur’ en la categoría de Mejor Programa de Televisión, y a la producción ‘Cortocircuito’, de La Claqueta PC, por su labor informativa sobre cine.

Asimismo, ‘Reflexiones de un picaporte’, de Carlos Crespo, ha sido reconocido como Mejor Cortometraje; ‘Los amores difíciles’, de Lucina Gil, como Mejor Documental, y ‘Los españoles del western’, de Juan Gabriel García, como Mejor Libro de Cine.

En la categoría de Película española (no andaluza) ha triunfado ‘No habrá paz para los malvados’, de Enrique Urbizu, y ‘Nader y Simin, una separación’, de Asghar Farhadi, en la de Película extranjera.

LOS GALARDONES SE ENTREGARÁN EL PRÓXIMO 4 DE FEBRERO

Todos ellos recibirán sus galardones en un acto que se celebrará en la sede de Córdoba de la Filmoteca de Andalucía el próximo 4 de febrero, en una gala en la que también serán homenajeados la actriz y cantante Carmen Sevilla (Sevilla, 1930), y el guionista y director Francisco ‘Pancho’ Bautista (Benacazón -Sevilla-, 1945), cuyas carreras les han merecido los Premios de Honor que también concede Asecan.

Además, y como novedad, a partir de esta edición, los ganadores de los Premios Asecan que estén relacionados con los fines de la asociación serán invitados a pertenecer a la misma gratuitamente durante un año.

‘LA VOZ DORMIDA’ SIGUE COSECHANDO PREMIOS

La película triunfadora de la edición 2012 de los Premios del Cine Andaluz, ‘La voz dormida’, de Benito Zambrano, está basada en la novela homónima de la escritora extremeña Dulce Chacón, y se ambienta en la posguerra española.

Cuenta la historia de Pepita, una joven cordobesa de origen rural que va a Madrid para estar cerca de su hermana Hortensia, que está embarazada y en prisión. Su director ha definido así a la película en varias ocasiones como “un homenaje a las vencidas”.

Su buena acogida en el pasado Festival de San Sebastián culminó con el reconocimiento a la actriz María León (que interpreta a Pepita), que recibió la Concha de Plata de esta prestigiosa muestra. Además, ‘La voz dormida’ ha estado luego entre las tres candidatas preseleccionadas para representar a España en los Oscar y parte como una de las grandes favoritas para los premios Goya de este año.

http://www.europapress.es

Ochoa, protagonista de la obra “El Cerdo”, señaló que la última vez que vio a Armendáriz fue en una función de esta obra. “Lo vi demacrado, aunque nunca me comentó que estuviera enfermo de cáncer, siempre fue reservado de sus cosas”.

Al pedirle su opinión respecto a que al fallecido actor no le gustaban las solemnidades, Jesús Ochoa soltó una carcajada al apoyar el comentario que también hiciera el productor de telenovelas, Benjamín Cann, quien aseguró que Armendáriz era amante de la fiesta:

“Tiene razón Benjamín, Pedro vivió muy bien y portó muy bien el apellido de su padre, conozco muchos hijos de famosos que no son felices, que no saben llevar el apellido y que les pesa emocional y profesionalmente ser hijos de…

“Incluso, me atrevería a decir que llegó a superar al gran Pedro Armendáriz padre en algunos aspectos y géneros actorales, trató de vivir con dignidad y separarse de ese legado actoral al crear el propio, sobre todo al ser sencillo y humilde, y lo digo porque fue generoso”.

Puntualizó que ahora todos los actores deben ser un Pedro Armendáriz, y continuar la lucha en defensa del cine: “Tenemos que hacer conciencia y si en algo lo queremos y lo respetamos debemos continuar con esa labor incansable de lucha”.

Al preguntarle sobre la anécdota que más recuerda al lado del actor, Jesús Ochoa destacó que fueron cientos de experiencias, pero sobre todo recuerda sus gritos de llamada de atención, “como cuando me gritó en una negociación con productores “Cállate Chucho”, me dijo, y al día siguiente me llegó con una camisa del América y me hizo llorar”.

Abundó que también lo recuerda en la puesta en escena “Los Lobos”, con la que recorrió dos veces la República Mexicana: “Comíamos en cualquier lugar y me regañaba, porque yo comía muy rápido, la última vez que lo vi fue cuando me fue a ver en la puesta en escena “El Cerdo”, ya lo vi demacrado por las quimioterapias”.

A pesar de ello Ochoa destacó que Armendáriz nunca le comentó que estuviera enfermo de cáncer: “Nunca lucró con su salud, siempre fue reservado de sus cosas”.

http://es-us.musica.yahoo.com

Aunque esta vez parece que Bella (Kristen Stewart), por fin se ha decidido. Según la más reciente de la saga Twilight, Crepúsculo: Amanecer, Bella prefiere la sangre de su amor Edward Cullen (Robert Pattinson), antes que los pelos de su amigo el lobo feroz Jacob (Taylor Lautner), y así, finalmente, luego de tantas tentaciones, logra llegar virgen al matrimonio para entregarse por completo al vampiro.

Los recien casados se van de luna de miel a Brasil, muy de moda en las películas últimamente, y en un caso poco común, Bella queda embarazada de un bebé mitad vampiro que se desarrolla a una velocidad espantosa por lo que Edward se ve obligado a convertir a su amor en vampira.

Justo cuando parece que viene lo mejor, la película se termina, porque esta es simplemente la primera parte de un final de dos capítulos. Es decir que tendremos que esperar hasta noviembre de 2012 para terminar de entender esta última trama que repite los clichés de todas sus versiones anteriores, mucho melodrama, poca sangre y demasiado a la imaginación.

http://www.voanews.com

El realizador de cine estadounidense Steven Spielberg celebra hoy 65 años, en medio de una carrera que lo tiene en la cima desde hace varias décadas.

Los festejos por un año más de vida se producen antes del estreno de “Las aventuras de Tintin” en los cines estadounidenses. Después de la Navidad, llegará a las pantallas de su país “Caballo de guerra” película que trata sobre la amistad entre un joven y su caballo durante la Primera Guerra Mundial.

El director más exitoso de Hollywood no parará de producir. En 2012 espera estrenar “Lincoln”, acompañado por el actor Daniel Day-Lewis, y “Robocalypse”, basada sobre una revolución de robots. Hace poco comentó que si George Lucas se lo pidiera, rodaría de inmediato una quinta “Indiana Jones”. Y como productor, tiene en mente revivir a sus dinosaurios para una cuarta entrega de “Jurassic Park”.

Pero él no se ve como un “trabajólico”, según su propia confesión hecha en octubre, antes de estrenar “Las aventuras de Tintín” en París. “No. Soy un cineasta fuera de control”, expresó. “Da igual si son temas históricos o grandes películas de entretenimiento. Desde que cumplí 12 años hago películas, en ese entonces eran en 8 mm”.

Hijo de una familia judía nacido en Ohio no claudicó en sus ambiciones de llegar a Hollywood incluso después de recibir un “no” por parte de dos escuelas de cine en California. Logró entrar al mundillo del séptimo arte como asistente de dirección de series de TV y en 1974 rodó “The Sugarland Express”, una road movie con Goldie Hawn. Cuando tenía 28 años rodó  “Tiburón” y le dio otra dimensión a la palabra terror. La taquilla respondió y así empezó a crear su propia carrera de éxitos.

Su éxito siguió con el thriller de ciencia ficción “Encuentros cercanos del tercer tipo” y con la saga de aventuras “Indiana Jones”. En 1982, E.T se convirtió en la película comercialmente más exitosa hasta esa fecha y solo fue superada por los dinosaurios de “Jurassic Park”. Después esta seria destronada por “Titanic”, de James Cameron.

Spielberg hizo ingresar millones en las taquillas, pero no era tomado del todo en serio por su fama de “niño eterno” en Hollywood. Pero el panorama cambió con el estreno del drama “El color púrpura” (1985), basado en la novela homónima de Alice Walker y en el que Whoopi Goldberg interpretaba a una joven mujer negra violada y maltrada por su padre en el sur de Estados Unidos a principios del siglo XX. La película alcanzó 11 nominaciones a los Oscar.

El gran giro llegaría con “La lista de Schindler”, drama sobre el Holocausto rodado en blanco y negro. “No soy la misma persona después de haber estado en Polonia”, dijo Spielberg cuando, en 1994, recibió el Globo de Oro y luego dos Oscar, por dirección y producción. “Esta película cambió mi vida”, aseguró. Spielberg investigó el Holocausto por años e incluso la historia de su propia familia, algunos de ellos murieron en un campo de concentración. Luego le dio vida a la Fundación Shoah para la investigación y documentación sobre el Holocausto.

Su segundo Oscar como director llegó en 1999 por “Salvando al soldado Ryan”, la cual fue considerada por el “New York Times” “la mejor película sobre guerra de nuestros tiempos”. Con “Amistad”, Spielberg retrató una revuelta de esclavos negros en una embarcación, en “Sentencia previa” y “La guerra de los mundos” realizó viajes hacia el futuro, con “Terminal” y “Atrápame si puedes” probó con el género de la comedia y el slapstick, mientras que con el thriller “Múnich” abordó los hechos sangrientos ocurridos durante los Juegos Olímpicos de 1972.

Como si no le bastara con ser director, Spielberg es uno de los fundadores del estudio de Hollywood Dreamworks. Llegó a rodar varias miniseries para TV, entre ellas las bélicas “Band of Brothers” y “The Pacific”. Hace poco consiguió estrenar  “Falling Skies”.

Como productor, estuvo tras bambalinas de éxitos como “Poltergeist”, “Volver al futuro” y “Men in Black”. Para el actor Clint Eastwood produjo su película “Flag of Our Fathers”, para los hermanos Coen el western “Temple de acero” y para J.J.Adams el gran homenaje al cine de los 80 que es “Super8”.

Mientras tanto, no se cansa de acumular premios y órdenes. En 2008 obtuvo la Orden de la Legión de Honor de Francia, un año después consigue el Globo de Oro a la trayectoria, que se lo entregó su colega Martin Scorsese mediante palabras llenas de admiración. Spielberg agradeció diciendo sobre Scorsese: “Él fue mi inspiración”.

Hace 20 años, este padre de siete hijos está casado por segunda vez con la actriz Kate Capshaw, que en 1984 obtuvo el rol femenino en “Indiana Jones y el Templo de la perdición”.

“Mi familia tiene la prioridad. Cuando ellos me necesitan, obtiene tanto tiempo de mí como el que quieran, es allí cuando las películas deben esperar”, aseguró Spielberg. Por suerte, siempre vuelve rápidamente a su segundo amor. “No sabría cómo vivir sin hacer películas”. Finalizó.

http://www.24horas.com.pe

En una entrevista exclusiva con el servicio de Bosnia de la Voz de América (VOA), Jolie dice que el mensaje de la película, titulada In the Land of Blood and Honey (En la tierra de sangre y miel), es de tolerancia y comprensión.

Aunque Jolie está acostumbrado a estar frente a las cámaras, para su último proyecto, la ganadora del Oscar se puso detrás del escenario… y en la brutalidad de la guerra de Bosnia.

“Cuanto más aprendía sobre esta guerra, y cuanto más leo sobre ella, más enfadada me siento por la falta de intervención”, dice Jolie, y agrega que “lo más emocional de todo fue la violencia contra las mujeres. Por eso quería hacer una película que ayudara a mirar en las relaciones no sólo entre las parejas, pero también entre hermanas y padres e hijos y madres y niños”.

Jolie escribió y dirigió completamente esta cinta. Se trata de una historia de amor entre una mujer musulmana y un hombre serbio durante los sangrientos tres años de conflicto étnico en la guerra Bosnia-Herzegovina.

La ahora directora estadounidense espera que la película logre reabrir la discusión sobre la guerra y la lucha que aún continúa en Bosnia a pesar de los acuerdos de paz logrados en 1995.

“Quiero que la gente recuerde Bosnia, que recuerden lo que pasó, quiero rendir homenaje a todas las personas que sobrevivieron y recordar que en este país todavía hay muchas heridas que sanar”, explica Jolie.

Como embajadora de buena voluntad de las Naciones Unidas, madre de seis hijos y esposa del también reconocido actor Brad Pitt, a menudo Jolie es quien influye en los problemas globales. Pero esta vez asegura que es diferente.

“En esta película es la primera vez que dos mundos han chocado en mí. Esta película significa más para mí que cualquier otra película que he hecho”, sostiene la estadounidense.

En un festival de cine en la capital de bosnia, Sarajevo, se honró la cinta de Jolie a principios de 2011, pese a las críticas iniciales de víctimas bosnias de violencia sexual y a una demanda alegando que la directora robó piezas de la trama de un libro al que no le ofrece créditos.

Según Jolie, la cinta fue el resultado de conversaciones que sostuvo con víctimas de la guerra, documentos de organizaciones civiles y organizaciones públicas consultadas.

“No es una película estadounidense hecha sobre Bosnia. Es una película hecha con un bosnio estadounidense y muchos y muchas personas de la zona, lo hicimos juntos”, dice la actriz.

In the Land of Blood and Honey se estrena en los cines estadounidenses este 23 de diciembre.

http://www.voanews.com

“Estaba desesperado por dirigir una película”, reconoce Payne en una entrevista publicada hoy por Los Angeles Times. “Estaba ansioso por rodar algo”.

“The Descendants”, que se estrenará en algunas salas de Estados Unidos este miércoles 16 de noviembre, cuenta la historia de un hombre de negocios (Clooney) que trata de revivir los lazos con sus hijas en un viaje en automóvil por Hawai (EE.UU.), después de que su mujer, a la que apenas veía, quede en coma tras sufrir un accidente.

Para Payne, se trata de una historia sobre “amar cuando no quieres, cuando es muy difícil”; mientras que para Clooney, su personaje encuentra “amor” en la “aceptación de sus propios fallos”.

“Es como una película sobre el crecimiento y la madurez, aunque la persona que madura es un hombre de 50 años”, dijo al diario Clooney, que interpreta su primer papel de padre desde que en 1996 protagonizó “One Fine Day”.

Al contrario que en “Sideways”, y en sus otras tres películas -entre las que se cuenta “About Schmidt” (2002), protagonizada por Jack Nicholson- Payne no ha participado en la adaptación del guión de la cinta, que en un principio se iba a limitar a producir, mientras la dirigían Stephen Frears o Jason Reitman.

Por entonces, Payne estaba inmerso en el desarrollo de “Downsizing”, una comedia que no resultó y que trataba sobre científicos que consiguen encogerse hasta medir 4 centímetros, esperanzados por la idea de acabar con el hambre en el mundo, ya que un simple grano de maíz bastaría para saciar a personas de ese tamaño.

Cuando ese proyecto se canceló, mermado por problemas presupuestarios y dificultades con los efectos visuales, Payne se planteó dirigir “The Descendants”.

Durante sus siete años de pausa, el realizador de 50 años ha viajado, dirigió el episodio piloto de la serie de televisión “Hung” y un fragmento de la película “Paris, Je T’Aime”, y se divorció de la actriz Sandra Oh.

En su próximo proyecto, “Nebraska”, Payne volverá al terreno de las “road movies” que exploró con “Sideways” para contar la historia de un padre que debe reunirse con un hijo del que se ha alejado, para poder reclamar un premio que les ha tocado en la lotería.

© EFE 2011. Está expresamente prohibida la redistribución y la redifusión de todo o parte de los contenidos de los servicios de Efe, sin previo y expreso consentimiento de la Agencia EFE S.A.

http://www.google.com

Este jueves se presentó en Miami el festival ‘Cine reciente de España‘ con la presencia del alcalde de la ciudad Tomás Regalado y diversas personalidades españolas del mundo del cine y la cultura.

El festival sirve también de marco para celebrar el 25 aniversario de los Goya, los premios más importantes de la industria cinematográfica de España.

“Es un gran acontecimiento para Miami, donde hay un gran público, tanto hispano como anglo, amante del cine e interesado en el buen cine independiente español”, señaló Miguel Benzal, director general de EGEDA, entidad que gestiona los derechos de los productores audiovisuales.

Esta es la primera vez que EGEDA celebra en Miami, junto con varias instituciones de la ciudad, una muestra del cine español más reciente con la que “continuar su labor de apoyo a la industria cinematográfica española en el extranjero”.

Benzal expresó su convencimiento de que esta muestra, denominada “Recent Cinema from Spain“, puede “marcar un antes y un después” en cuanto al fomento del cine independiente español en Miami y para la industrial audiovisual española.

Las películas que completan el festival son “Héroes“, “Blackthorn“, “Tres metros sobre el cielo” y “5 metros cuadrados“, “Sin destino” y “Primos“.

El presidente de EGEDA, Enrique Cerezo, resaltó que el cine español “tiene mucho que ofrecer a un país como EEUU y queremos trabajar para fomentar su promoción y divulgación en un país con casi 50 millones de hispanohablantes”.

Esta semana cinematográfica está organizada también por el Festival Internacional de Cine de Miami, el Gusman Center for the Performing Arts, el Miami Dade College, el Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales (ICAA) del Ministerio de Cultura español y el Centro Cultural español, entre otros.

http://www.elmundo.es