La Animación en España se encuentra en un momento de gran brillantez y desarrollo con películas como «Chico y Rita», que con su candidatura a los Oscar vuelve a reestrenarse desde ayer en pantallas comerciales; o «Planet 51», producción española con mayor taquilla fuera de nuestro país. Personajes como Pocoyó o Jelly Jam forman parte ya del imaginario colectivo internacional. «Arrugas», primer largometraje de animación nominado a un Goya en la categoría de mejor guión adaptado, toma el relevo demostrando que el buen cine lo es al margen de las técnicas empleadas.

Animazine está organizada conjuntamente con Diboos (Federación Española de Asociaciones de Productoras de Animación), con la colaboración de Fapae. Conscientes de la importancia que está adquiriendo la animación española, se pretende desde la plataforma que aporta el certamen hacer de esta cita su mejor exposición ofreciendo un amplio programa, con proyecciones de largometrajes, cortometrajes, presentaciones de proyectos, cinefórums, clases magistrales, talleres o exposiciones.

«En estos momentos se están produciendo 22 películas de animación. Existen 46 centros de formación de animación en España. Hay, en activo, 170 empresas en España produciendo animación. Y 20 entidades, instituciones europeas dedicadas exclusivamente al fomento de la producción de animación. Las producciones de animación española alcanzan techos de coste de producción de hasta 50 millones de euros, como en el caso de Planet 51», declaró Chelo Loureiro, vicepresidenta de Diboos Cine.

«Confluencia de esfuerzos»

El director del festival, Carmelo Romero, añadió que «la productora decana de la industria de animación española, BRB Internacional, tendrá su homenaje con una exposición de diez días en la calle Larios. Es la creadora de personajes como D’Artacan, Willy Fog o David el Gnomo. BRB Internacional mostrará, por primera vez en una exposición, un recorrido por las producciones realizadas en sus 40 años de historia. Creemos que este era el momento más propicio para inaugurar una sección de dedicada a la animación española».

Al acto, celebrado en la Academia de Cine, acudieron José Garasino, director de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España; Carmelo Romero, director del Festival de Málaga-Cine Español; Chelo Loureiro, vicepresidenta de Diboos para Cine, Pedro Pérez (Fapae); Damián Caneda, primer teniente de alcalde de Málaga, y Susana de la Sierra, directora General del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales, en su primera comparecencia oficial definiendo esta iniciativa que incrementa la oferta cinematográfica como «una confluencia de esfuerzos para sacar adelante el cine».

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El Festival que se celebrará del 16 al 24 de marzo servirá para mostrar una selección de títulos de corte histórico, coordinada por el profesor y crítico Francisco Ponce, que se “ajusta a las señas de identidad del certamen”, ya que son películas que responden a la idea de “innovación, rigor y autoexigencia selectiva”.

El ciclo de cine mudo estará compuesto por unos veinte títulos con los que los amantes de este cine podrán contemplar una de las antologías “más representativas ofrecidas en España sobre estos trabajos, que han contribuido a ampliar los límites” formales del lenguaje cinematográfico y que muestran el reflejo de la “experimentación y la vanguardia”, según informó el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria en nota de prensa.

Se pretende así ofrecer una “nueva mirada sobre este cine, obvia clásicos recurrentes y da prioridad” a piezas cinematográficas recuperadas o revisitadas durante los últimos años y con una influencia en la evolución de la estética cinematográfica que “ha sido evidente a lo largo de la historia del cine”.

Las películas que se exhibirán durante los diez días de festival son restauraciones sobre negativos originales, lo que supone una oportunidad para admirar obras como las de los maestros franceses Abel Gance (La rueda, 1923) o Marcel L,Herbier (El dinero, 1928), así como producciones alemanas como ‘El amor’ de Jeanne Ney (1927), uno de los trabajos menos conocidos de G. W. Pabst, o ‘El infierno de los pobres’ y ‘Viaje a la felicidad de mamá Krause’ (1929) de Phil Jutzi, así como ‘Raíles’ (1927) de Mario Camerini, entre otras.

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Estos tres galardones en el ámbito del cortometraje, pretenden reforzar la línea de actuación emprendida por el Área de Cultura y Educación, en aras a apoyar la producción cinematográfica local y el trabajo de nuevos realizadores, que constituyen una de las señas de identidad del Festival de Cine Fantástico.

Los Premios del Jurado al Mejor Cortometraje y al Mejor Cortometraje Vasco FANT 2012 tendrán una dotación económica de 3.000 y 2.000 euros, respectivamente, y se repartirán, a partes iguales, entre productores y realizadores de las películas. La elección recaerá en un jurado de expertos designados por la Concejalía de Cultura y Educación del Ayuntamiento de Bilbao, a propuesta de la Dirección del Festival.

El Premio especial del Público al Mejor Cortometraje estará dotado también con 3.000 euros que se abonarán del mismo modo, a partes iguales a productor y realizadores de la película, o a uno de ellos, en el caso de que confluya en la misma persona. La elección al mejor corto recaerá en el público que asista a la sesión o sesiones de “FANT en corto”.

Además de estos premios, la próxima edición de FANT mantendrá sus galardones de referencia: el Premio al Mejor Largometraje de género fantástico de la sección oficial, que será otorgado al realizador de la película, será honorífico e irá acompañado de un trofeo conmemorativo, y el Premio FANTROBIA, también de carácter honorífico, que se concede a una persona que se haya constituido, en los últimos años, en un valor emergente del género cinematográfico fantástico.

En la pasada edición del festival, el Premio a la Mejor Película fue para al largometraje “I saw the devil”, del cineasta Kim Ji-woon. Además se concedió una mención especial a la película alemana, “Die Tür” del director Anno Saul.

En el apartado de cortometrajes, el jurado concedió el premio al Mejor Cortometraje exaequo al trabajo “Quédate conmigo” (España, 2010, 21′) de Zoe Berriatúa y “St. Christophororus Roadkill” (Alemania, 2010, 24′) dirigido por Gregor Erler. Por su parte, el público eligió “Off season” (EE.UU, 2009, 12′), de Jonathan van Tulleken. El premio FANTROBIA recayó en Oscar Santos.

El plazo de inscripción para la presentación de largometrajes y cortometrajes a concurso para esta próxima edición de FANT concluye el día 31 de marzo.

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Nadie tendría que discutir el derecho del equipo de gobierno local a nombrar a quien considere oportuno para pilotar proyectos que dependan del dinero municipal. En lo que sí parece existir unanimidad es en que han fallado las formas para comunicar a Cienfuegos su marcha de la dirección del Festival. Las formas son importantes en la vida pública, y en la privada por supuesto, y más en el caso de un ejecutivo cultural que, en efecto, como ha recordado en la nota que ha hecho pública exponiendo su postura sobre el cese, ha realizado una estimable labor al frente del FCIX. El dato del crecimiento del número de espectadores que han acudido a la última edición, setenta y cinco mil, frente al de la edición de mediados de los noventa, diez mil, es un buen resumen del arraigo popular que ha ido adquiriendo el festival gijonés. Sorprende, sin embargo, que el porcentaje de recaudación en taquilla haya crecido muy modestamente frente a las cifras totales de asistentes a las proyecciones.

La discusión del derecho a proceder a un relevo en la dirección del certamen ha surgido de los grupos de oposición en el Ayuntamiento de Gijón. La imagen de una amplia representación de los dos partidos, el PSOE e IU, en la concentración del jueves muestra que se han subido al caballo del prestigio bien ganado por Cienfuegos para debilitar al gobierno de Carmen Moriyón y, en concreto, al concejal de Cultura, Carlos Rubiera, a quien le está tocado bailar con parejas tan difíciles como el Festival de Cine y la creación del Festival Atlántico, llamado a sustituir a la «Semana negra», cuyo futuro se ve cada día más negro, sin que sea un juego de palabras, aunque el rosario de ofertas de otras ciudades que los organizadores decían tener en sus manos parecen haberse evaporado.

Festivales cercanos, aunque no parecidos, como San Sebastián o Valladolid, han cambiado de directores sin que se hayan producido polémicas como la gijonesa y no digamos concentraciones populares. En casos como éste, la izquierda gijonesa parece que quiere dejar claro que la ciudad es su patrimonio y que su resistencia a los cambios es obligatoria. Pero la realidad es tozuda y si Cienfuegos sustituyó a otro director, en este caso el admirable Juan José Plans, otro relevará en su día a Nacho Carballo. Pero las formas son, por supuesto, de ida y vuelta. Nacho Carballo, que ha dado una lección de valentía y claridad afrontando el primer día de mandato entrevistas y preguntas hasta incómodas, tendría que haber sido cuidadoso en reconocer la labor de su antecesor. La frase de que evitará que «la gente no venga diez días a comer y a vivir gratis a Gijón», dirigida sin duda a críticos madrileños asistentes al festival que salieron en tromba en apoyo de Cienfuegos, puede que sea una exageración y hasta una velada acusación de mala gestión y hasta de prevaricación. Las buenas formas han de ser transversales, pero en este caso, como en tantos, parecen imposibles por la mala relación de los dos protagonistas del cambio.

El problema del relevo supera el mundo cultural o político de Gijón. Sus raíces van más, a la mala costumbre de este país en cambiar a gestores de calidad o altos funcionarios de relieve en cuanto hay un cambio político. El servidor del Estado es una figura habitual en los países más desarrollados que en España apenas conocemos. Cambian los gobiernos y cambian los policías, los jueces, los embajadores y hasta los chóferes de los coches oficiales. Cambian también los directores de festivales de cine aunque su labor merezca elogios mayoritarios. Es un mal universal en el mundo público español y, por tanto, gijonés. José Luis Cienfuegos es un cesante más, como si viviéremos en la época de Cánovas y Sagasta, como si todo fuera el argumento de una zarzuela.

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Además, el almeriense Manuel Martín Cuenca, co-autor, junto al cubano Alejandro Hernández, del guión original de ‘La mitad de Óscar’, ha sido distinguido con el Premio al Mejor Guión, mientras que el actor Antonio de la Torre se ha alzado con el reconocimiento ‘Antoñita Colomé’ a la Mejor Interpretación masculina por su trabajo en el largometraje ‘Balada triste de trompeta’, de Álex de la Iglesia.

Del mismo modo, según ha informado Asecan en un comunicado, el premio ‘Teo Escamilla’ a la contribución técnico-artista ha ido a parar a Tote Trenas como responsable de la fotografía de ‘Ispansi (Españoles)’, mientras que Julio de la Rosa, compositor de la música de ‘Primos’, se ha alzado con el premio a la Música original.

Por otro lado, Asecan también ha distinguido a la Semana Internacional del Cortometraje de San Roque (Cádiz), por su labor de difusión del cine en Andalucía; al espacio de Canal Sur TV ‘Al Sur’ en la categoría de Mejor Programa de Televisión, y a la producción ‘Cortocircuito’, de La Claqueta PC, por su labor informativa sobre cine.

Asimismo, ‘Reflexiones de un picaporte’, de Carlos Crespo, ha sido reconocido como Mejor Cortometraje; ‘Los amores difíciles’, de Lucina Gil, como Mejor Documental, y ‘Los españoles del western’, de Juan Gabriel García, como Mejor Libro de Cine.

En la categoría de Película española (no andaluza) ha triunfado ‘No habrá paz para los malvados’, de Enrique Urbizu, y ‘Nader y Simin, una separación’, de Asghar Farhadi, en la de Película extranjera.

LOS GALARDONES SE ENTREGARÁN EL PRÓXIMO 4 DE FEBRERO

Todos ellos recibirán sus galardones en un acto que se celebrará en la sede de Córdoba de la Filmoteca de Andalucía el próximo 4 de febrero, en una gala en la que también serán homenajeados la actriz y cantante Carmen Sevilla (Sevilla, 1930), y el guionista y director Francisco ‘Pancho’ Bautista (Benacazón -Sevilla-, 1945), cuyas carreras les han merecido los Premios de Honor que también concede Asecan.

Además, y como novedad, a partir de esta edición, los ganadores de los Premios Asecan que estén relacionados con los fines de la asociación serán invitados a pertenecer a la misma gratuitamente durante un año.

‘LA VOZ DORMIDA’ SIGUE COSECHANDO PREMIOS

La película triunfadora de la edición 2012 de los Premios del Cine Andaluz, ‘La voz dormida’, de Benito Zambrano, está basada en la novela homónima de la escritora extremeña Dulce Chacón, y se ambienta en la posguerra española.

Cuenta la historia de Pepita, una joven cordobesa de origen rural que va a Madrid para estar cerca de su hermana Hortensia, que está embarazada y en prisión. Su director ha definido así a la película en varias ocasiones como “un homenaje a las vencidas”.

Su buena acogida en el pasado Festival de San Sebastián culminó con el reconocimiento a la actriz María León (que interpreta a Pepita), que recibió la Concha de Plata de esta prestigiosa muestra. Además, ‘La voz dormida’ ha estado luego entre las tres candidatas preseleccionadas para representar a España en los Oscar y parte como una de las grandes favoritas para los premios Goya de este año.

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Ochoa, protagonista de la obra “El Cerdo”, señaló que la última vez que vio a Armendáriz fue en una función de esta obra. “Lo vi demacrado, aunque nunca me comentó que estuviera enfermo de cáncer, siempre fue reservado de sus cosas”.

Al pedirle su opinión respecto a que al fallecido actor no le gustaban las solemnidades, Jesús Ochoa soltó una carcajada al apoyar el comentario que también hiciera el productor de telenovelas, Benjamín Cann, quien aseguró que Armendáriz era amante de la fiesta:

“Tiene razón Benjamín, Pedro vivió muy bien y portó muy bien el apellido de su padre, conozco muchos hijos de famosos que no son felices, que no saben llevar el apellido y que les pesa emocional y profesionalmente ser hijos de…

“Incluso, me atrevería a decir que llegó a superar al gran Pedro Armendáriz padre en algunos aspectos y géneros actorales, trató de vivir con dignidad y separarse de ese legado actoral al crear el propio, sobre todo al ser sencillo y humilde, y lo digo porque fue generoso”.

Puntualizó que ahora todos los actores deben ser un Pedro Armendáriz, y continuar la lucha en defensa del cine: “Tenemos que hacer conciencia y si en algo lo queremos y lo respetamos debemos continuar con esa labor incansable de lucha”.

Al preguntarle sobre la anécdota que más recuerda al lado del actor, Jesús Ochoa destacó que fueron cientos de experiencias, pero sobre todo recuerda sus gritos de llamada de atención, “como cuando me gritó en una negociación con productores “Cállate Chucho”, me dijo, y al día siguiente me llegó con una camisa del América y me hizo llorar”.

Abundó que también lo recuerda en la puesta en escena “Los Lobos”, con la que recorrió dos veces la República Mexicana: “Comíamos en cualquier lugar y me regañaba, porque yo comía muy rápido, la última vez que lo vi fue cuando me fue a ver en la puesta en escena “El Cerdo”, ya lo vi demacrado por las quimioterapias”.

A pesar de ello Ochoa destacó que Armendáriz nunca le comentó que estuviera enfermo de cáncer: “Nunca lucró con su salud, siempre fue reservado de sus cosas”.

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Aunque esta vez parece que Bella (Kristen Stewart), por fin se ha decidido. Según la más reciente de la saga Twilight, Crepúsculo: Amanecer, Bella prefiere la sangre de su amor Edward Cullen (Robert Pattinson), antes que los pelos de su amigo el lobo feroz Jacob (Taylor Lautner), y así, finalmente, luego de tantas tentaciones, logra llegar virgen al matrimonio para entregarse por completo al vampiro.

Los recien casados se van de luna de miel a Brasil, muy de moda en las películas últimamente, y en un caso poco común, Bella queda embarazada de un bebé mitad vampiro que se desarrolla a una velocidad espantosa por lo que Edward se ve obligado a convertir a su amor en vampira.

Justo cuando parece que viene lo mejor, la película se termina, porque esta es simplemente la primera parte de un final de dos capítulos. Es decir que tendremos que esperar hasta noviembre de 2012 para terminar de entender esta última trama que repite los clichés de todas sus versiones anteriores, mucho melodrama, poca sangre y demasiado a la imaginación.

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El realizador de cine estadounidense Steven Spielberg celebra hoy 65 años, en medio de una carrera que lo tiene en la cima desde hace varias décadas.

Los festejos por un año más de vida se producen antes del estreno de “Las aventuras de Tintin” en los cines estadounidenses. Después de la Navidad, llegará a las pantallas de su país “Caballo de guerra” película que trata sobre la amistad entre un joven y su caballo durante la Primera Guerra Mundial.

El director más exitoso de Hollywood no parará de producir. En 2012 espera estrenar “Lincoln”, acompañado por el actor Daniel Day-Lewis, y “Robocalypse”, basada sobre una revolución de robots. Hace poco comentó que si George Lucas se lo pidiera, rodaría de inmediato una quinta “Indiana Jones”. Y como productor, tiene en mente revivir a sus dinosaurios para una cuarta entrega de “Jurassic Park”.

Pero él no se ve como un “trabajólico”, según su propia confesión hecha en octubre, antes de estrenar “Las aventuras de Tintín” en París. “No. Soy un cineasta fuera de control”, expresó. “Da igual si son temas históricos o grandes películas de entretenimiento. Desde que cumplí 12 años hago películas, en ese entonces eran en 8 mm”.

Hijo de una familia judía nacido en Ohio no claudicó en sus ambiciones de llegar a Hollywood incluso después de recibir un “no” por parte de dos escuelas de cine en California. Logró entrar al mundillo del séptimo arte como asistente de dirección de series de TV y en 1974 rodó “The Sugarland Express”, una road movie con Goldie Hawn. Cuando tenía 28 años rodó  “Tiburón” y le dio otra dimensión a la palabra terror. La taquilla respondió y así empezó a crear su propia carrera de éxitos.

Su éxito siguió con el thriller de ciencia ficción “Encuentros cercanos del tercer tipo” y con la saga de aventuras “Indiana Jones”. En 1982, E.T se convirtió en la película comercialmente más exitosa hasta esa fecha y solo fue superada por los dinosaurios de “Jurassic Park”. Después esta seria destronada por “Titanic”, de James Cameron.

Spielberg hizo ingresar millones en las taquillas, pero no era tomado del todo en serio por su fama de “niño eterno” en Hollywood. Pero el panorama cambió con el estreno del drama “El color púrpura” (1985), basado en la novela homónima de Alice Walker y en el que Whoopi Goldberg interpretaba a una joven mujer negra violada y maltrada por su padre en el sur de Estados Unidos a principios del siglo XX. La película alcanzó 11 nominaciones a los Oscar.

El gran giro llegaría con “La lista de Schindler”, drama sobre el Holocausto rodado en blanco y negro. “No soy la misma persona después de haber estado en Polonia”, dijo Spielberg cuando, en 1994, recibió el Globo de Oro y luego dos Oscar, por dirección y producción. “Esta película cambió mi vida”, aseguró. Spielberg investigó el Holocausto por años e incluso la historia de su propia familia, algunos de ellos murieron en un campo de concentración. Luego le dio vida a la Fundación Shoah para la investigación y documentación sobre el Holocausto.

Su segundo Oscar como director llegó en 1999 por “Salvando al soldado Ryan”, la cual fue considerada por el “New York Times” “la mejor película sobre guerra de nuestros tiempos”. Con “Amistad”, Spielberg retrató una revuelta de esclavos negros en una embarcación, en “Sentencia previa” y “La guerra de los mundos” realizó viajes hacia el futuro, con “Terminal” y “Atrápame si puedes” probó con el género de la comedia y el slapstick, mientras que con el thriller “Múnich” abordó los hechos sangrientos ocurridos durante los Juegos Olímpicos de 1972.

Como si no le bastara con ser director, Spielberg es uno de los fundadores del estudio de Hollywood Dreamworks. Llegó a rodar varias miniseries para TV, entre ellas las bélicas “Band of Brothers” y “The Pacific”. Hace poco consiguió estrenar  “Falling Skies”.

Como productor, estuvo tras bambalinas de éxitos como “Poltergeist”, “Volver al futuro” y “Men in Black”. Para el actor Clint Eastwood produjo su película “Flag of Our Fathers”, para los hermanos Coen el western “Temple de acero” y para J.J.Adams el gran homenaje al cine de los 80 que es “Super8”.

Mientras tanto, no se cansa de acumular premios y órdenes. En 2008 obtuvo la Orden de la Legión de Honor de Francia, un año después consigue el Globo de Oro a la trayectoria, que se lo entregó su colega Martin Scorsese mediante palabras llenas de admiración. Spielberg agradeció diciendo sobre Scorsese: “Él fue mi inspiración”.

Hace 20 años, este padre de siete hijos está casado por segunda vez con la actriz Kate Capshaw, que en 1984 obtuvo el rol femenino en “Indiana Jones y el Templo de la perdición”.

“Mi familia tiene la prioridad. Cuando ellos me necesitan, obtiene tanto tiempo de mí como el que quieran, es allí cuando las películas deben esperar”, aseguró Spielberg. Por suerte, siempre vuelve rápidamente a su segundo amor. “No sabría cómo vivir sin hacer películas”. Finalizó.

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En una entrevista exclusiva con el servicio de Bosnia de la Voz de América (VOA), Jolie dice que el mensaje de la película, titulada In the Land of Blood and Honey (En la tierra de sangre y miel), es de tolerancia y comprensión.

Aunque Jolie está acostumbrado a estar frente a las cámaras, para su último proyecto, la ganadora del Oscar se puso detrás del escenario… y en la brutalidad de la guerra de Bosnia.

“Cuanto más aprendía sobre esta guerra, y cuanto más leo sobre ella, más enfadada me siento por la falta de intervención”, dice Jolie, y agrega que “lo más emocional de todo fue la violencia contra las mujeres. Por eso quería hacer una película que ayudara a mirar en las relaciones no sólo entre las parejas, pero también entre hermanas y padres e hijos y madres y niños”.

Jolie escribió y dirigió completamente esta cinta. Se trata de una historia de amor entre una mujer musulmana y un hombre serbio durante los sangrientos tres años de conflicto étnico en la guerra Bosnia-Herzegovina.

La ahora directora estadounidense espera que la película logre reabrir la discusión sobre la guerra y la lucha que aún continúa en Bosnia a pesar de los acuerdos de paz logrados en 1995.

“Quiero que la gente recuerde Bosnia, que recuerden lo que pasó, quiero rendir homenaje a todas las personas que sobrevivieron y recordar que en este país todavía hay muchas heridas que sanar”, explica Jolie.

Como embajadora de buena voluntad de las Naciones Unidas, madre de seis hijos y esposa del también reconocido actor Brad Pitt, a menudo Jolie es quien influye en los problemas globales. Pero esta vez asegura que es diferente.

“En esta película es la primera vez que dos mundos han chocado en mí. Esta película significa más para mí que cualquier otra película que he hecho”, sostiene la estadounidense.

En un festival de cine en la capital de bosnia, Sarajevo, se honró la cinta de Jolie a principios de 2011, pese a las críticas iniciales de víctimas bosnias de violencia sexual y a una demanda alegando que la directora robó piezas de la trama de un libro al que no le ofrece créditos.

Según Jolie, la cinta fue el resultado de conversaciones que sostuvo con víctimas de la guerra, documentos de organizaciones civiles y organizaciones públicas consultadas.

“No es una película estadounidense hecha sobre Bosnia. Es una película hecha con un bosnio estadounidense y muchos y muchas personas de la zona, lo hicimos juntos”, dice la actriz.

In the Land of Blood and Honey se estrena en los cines estadounidenses este 23 de diciembre.

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Así, a las 11.30 horas, en el salón de actos del Centro de Historias de Zaragoza se proyectará “Más allá del Tiempo”, de Lenia Siniut; “El Somriure Amagat”, de Ventura Durall; y “Mamnou (prohibido)”, de Amal Ramsis, del Festival Invitado -Cine Invisible Bilbao 1-, informan los organizadores.

A las 16.00 horas, en el mismo lugar, se celebrará la segunda sesión del Certamen de Documentales, con la proyección de “El Cine Libertario: Cuando las películas hacen historia”, de Verónica Vigil y José María Almela; “Fayon, en la memoria del Ebro”, de Daniel Carrey; “El cuaderno de Sreylin”, de Fernando Martín; “La madrecita”, de Miryam Pedrero de Aritizábal, y “Capital”, de Gaizka Urresti.

También mañana, a las 18.00 horas, habrá una sesión de Animación, con “El viaje de María”, de Miguel Gallardo; “El amor era eso”, de Gerardo de la Fuente; “Akerbeltz, las brujas y el inquisidor”, de César Urbina; “Dirty Friday”, de Adrían M. Delgado y Tenesor Cruz; “Dogballs”, de Ernesto Felipe Díaz y Hugo Llanas; y “Eso te pasa por barroco”, de Pablo Serrano.

“Despejado”, de Jotoni; “Río Arriba”, de Jorge M. Rodrigo; “Zeinek gehiago iraun”, de Gregorio Muro; “Banquete de Boda”, de Jonathan Romero; “Ai Guant tu bilif”, de Daniel Valencia; “La cosa de la esquina”, de Zoe Berriatúa, y “Buñuel y la linterna mágica”, de Javier Espada son otras de las proyecciones previstas.

A las 19.00 horas, el festival se traslada al Fórum FNAC de Plaza España, donde se desarrollará el ciclo alemán “Kurz & Gut”, que incluye la proyección de diez cortos de animación en versión original subtitulada en español.

A las 20.00 horas, y de nuevo en el Centro de Historias de la ciudad, se proyectará el documental a concurso “Al final del túnel”, de Eterio Ortega.

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